Aqui estão algumas referências de representações gráficas de alguns arquitetos bem conhecidos.
Aldo Rossi (1931-1997)
Aldo Rossi publica em 1966 sua obra mais importante e que ao longo do tempo se transformou em um dos livros mais influentes da arquitetura do século XX. Este livro é intitulado A arquitetura da cidade, e seu propósito é entender a arquitetura em relação à cidade, a sua gestão política, memória, diretrizes, traçado e estrutura da propriedade urbana. Constrói o tecido do livro a partir dos diferentes pontos de vista com os quais pode contemplar a cidade: desde a antropologia, a psicologia, a geografia, a arte, a novela, a economia, a política.
Ao longo dos anos setenta, Rossi projetou suas três obras mais poéticas e de maior capacidade de síntese: o cemitério de Módena, que foi concluído em 1984 e se baseia na recriação de uma cidade análoga para os mortos; o Teatrino Científico (1978), onde espaço arquitetônico e representação se fundem por completo; e o Teatro do Mundo, em Veneza (1979). Ao longo dos anos oitenta intensificou muito seu trabalho com projetos em: Berlim - diversos conjuntos residenciais para o IBA e o projeto do Museu de História Alemã (1987) - ; Buenos Aires, o projeto do edifício comercial da Technic (1984); Miami, a nova Universidade (1986); Japão, o Hotel Fukuoka (1987-1989).
Archigram
No campo da arquitetura, o otimismo tecnológico dos anos sessenta gerou todo tipo de propostas, desde as mais pragmáticas até as mais fantasiosas. As imagens produzidas pelo grupo Archigram se destacaram nesse contexto. O grupo foi constituído na Grã-Bretanha em 1960 e foi formado pelos componentes de dois escritórios de arquitetura: por um lado, Peter Cook (1936), Dennis Crompton (1935) e Warren Chalk (1927-1987) e, por outro, David Greene (1937), Ron Herron (1930-1994) e Michael Weebb (1937).
O grupo edita a revista Archigram (1961-1970) que serve para divulgar seus panfletos e projetos radicais e, em muitos casos, irrealizáveis. Apesar das propostas serem, em sua maioria, composições metafóricas, assim mesmo as propostas formais se converteram em referência básica da arquitetura contemporânea.
As propostas da Archigram são conseqüência do ambiente inovador desenvolvido em Londres nos anos cinqüenta,pós-guerra. Estas inspiram-se na tecnologia como forma de expressão para criar projetos hipotéticos, reafirmando a presença da arquitetura moderna, do futurismo, cibernética, o automóvel, a publicidade, o cinema e o consumidor.
As composições metafóricas que surgem a partir do processo seriam transformadas em propostas formais, com o uso de novos materiais, fachadas, elementos arquitetônicos e organismos formais.
A representação gráfica possui uma profusão dos elementos futuristas e comerciais evidente, sendo utilizados recursos como colagens e sobreposição de elementos arquitetônicos, cartoon, composição jornalística e traço gestual, constituindo assim uma linguagem gráfica que expressa emoções,reflexão e metáforas.
Alguns links com colagens:
Steven Holl
Steven Holl foi graduado com honras pela universidade de Washington em Seattle, tendo estudado também em Roma, após sua pós graduação em Londres estabeleceu sua prática em Nova Iorque.
A importância do trabalho artístico de Holl vem através de um ponto de vista experimental, encarando cada projeto de maneira distinta e cada design um esforço para considerar o clima e as circunstâncias presentes. No começo os desenhos de Holl eram a lápis, mas após perceber que os desenhos poderiam demorar dias, mudou sua técnica para aquarela - que hoje é associada diretamente ao seu nome. Holl utiliza duas maneiras de desenhar, uma sendo quase um “ritual religioso”, em que Holl desenha um pequena pintura conceitual sempre antes de ir trabalhar, gerando milhares de pinturas e funcionando como ferramenta de explorar o lado conceitual de seu trabalho, a outra são perspectivas grandes e espontâneas de aquarela , sendo iniciado por alguém de seu escritório.
A importância do trabalho artístico de Holl vem através de um ponto de vista experimental, encarando cada projeto de maneira distinta e cada design um esforço para considerar o clima e as circunstâncias presentes. No começo os desenhos de Holl eram a lápis, mas após perceber que os desenhos poderiam demorar dias, mudou sua técnica para aquarela - que hoje é associada diretamente ao seu nome. Holl utiliza duas maneiras de desenhar, uma sendo quase um “ritual religioso”, em que Holl desenha um pequena pintura conceitual sempre antes de ir trabalhar, gerando milhares de pinturas e funcionando como ferramenta de explorar o lado conceitual de seu trabalho, a outra são perspectivas grandes e espontâneas de aquarela , sendo iniciado por alguém de seu escritório.
Aquarelista fenomenal Jon Muth <http://www.allenspiegelfinearts.com/muth.html>
O "maestro" da aquarela, o chileno-brazuca Cárcamo http://www.gcarcamo.blogspot.com//
Andrew Wyeth é o topo da cadeia alimentar dos aquarelistas http://www.andrewwyeth.com/
Mecanoo Architecten http://www.mecanoo.nl/
Tadao Ando
A fama de Tadao surgiu no começo dos anos 80, após o sucesso de uma série de complexas residências feitas de concreto de sua autoria. Ao contrario de outros arquitetos japoneses de sucesso, Ando ficou decepcionado com o ensino e largou a faculdade, se tornando praticamente autodidata, e mesmo assim chamou a atenção graças ao seu design altamente individualista.
Ando possui um enorme interesse em formas geométricas puras: cubos, paredes, cruzes; lugar e natureza. Dono de uma obra sutil e silenciosa, rejeita a estridência e comercialismo da arquitetura e o urbanismo do Japão atual.
Ando possui um enorme interesse em formas geométricas puras: cubos, paredes, cruzes; lugar e natureza. Dono de uma obra sutil e silenciosa, rejeita a estridência e comercialismo da arquitetura e o urbanismo do Japão atual.
Sua interpretação de natureza não se resume a árvores e jardins, mas aos elementos desta com a luz, chuva e vento que são diretamente conectados aos ocupantes de seus projetos.
Busca, em sua forma e conteúdo, uma profunda abstração formal e simbólica baseada na simplicidade volumétrica e do aproveitamento poético da luz natural.
Busca, em sua forma e conteúdo, uma profunda abstração formal e simbólica baseada na simplicidade volumétrica e do aproveitamento poético da luz natural.
O arquiteto recria um espaço essencial, que integre a tradição japonesa e possibilite ao homem um lugar aonde possa encontrar a si mesmo.
Nos exemplos abaixo vemos o croqui e desenho final do Church on the water, no croqui foi usado de forma simples o lápis azul em papel amarelo, enquanto que no desenho vemos o lápis em uma pintura litográfica.
Rem Koolhaas
Em 1975, dois jovens arquitetos, Rem Koolhaas (Rotterdam, 1944) e Elia Zenghelis (Atenas, 1937), que se conheceram estudando arquitetura na Architectural Association de Londres, criam o OMA (Office for Metropolitan Architecture).
Inspirava-se inicialmente no Archigram e no Superstudio, tendo como modelo as grandes metrópoles como Nova Iorque. Seus primeiros desenhos continham a estética das estruturas modernas e demonstravam sua fascinação pela densidade e ecletismo do universo metropolitano. Utiliza-se de colagens com grande predominância de elementos em preto e branco.
Zaha Hadid http://www.zaha-hadid.com/
Zaha Hadid nasceu em Bagdá e se graduou em Matemática na Universidade Americana de Beirut , depois estudou no “ London Architectural Association” onde recebeu o “AA diploma prize” no final de seus estudos.
Para Zaha, a pintura se tornou um importante meio de exploração e campo de teste , através do uso de perspectivas e de cores eram elaborados seus designs arquitetônicos.
Em suas pinturas Zaha usa dinâmicos contrastes entre figura-fundo e uma alta representação pessoal do espaço pictórico.Muitas de suas perspectivas pintadas, principalmente vistas aéreas , usam diferentes conjuntos de pontos de fuga em um formato único controlando diferentes zonas de pinturas, conseqüentemente essa multiangulação causa a nossa percepção uma espécie de animação: a um momento estamos pairando no espaço, em outro estamos passando de forma rápida por um espaço .Outras pinturas demonstram várias vistas de uma mesma forma arquitetônica , as vezes desenhando uma progressão serial de imagens rotacionando o projeto 180º. Sua técnica é uma variada paleta de cores de tinta acrílica, envolvendo milhares de misturas. O processo de pintura começa com um desenho de linhas a lápis unido a uma prancha de desenho , o desenho então é transferido para pedaços de papel cartucho de cores branca,preta e cinza que são pré anexados a papel de goma e gravados em uma prancha. O início da pintura então é com o uso de tinta acrílica , croquizado com tinta chinesa ou acrílico diluído em água , antes do contorno acontecer, em pinturas maiores o fundo é coberto com apenas uma cor.A maior complexidade do desenho acontece na justaposição de formatos em cores sólidas misturando as cores..Terminada a pintura são cortadas das pranchas e montadas em lonas , só então é a tela é montada em um quadro.
Para Zaha, a pintura se tornou um importante meio de exploração e campo de teste , através do uso de perspectivas e de cores eram elaborados seus designs arquitetônicos.
Em suas pinturas Zaha usa dinâmicos contrastes entre figura-fundo e uma alta representação pessoal do espaço pictórico.Muitas de suas perspectivas pintadas, principalmente vistas aéreas , usam diferentes conjuntos de pontos de fuga em um formato único controlando diferentes zonas de pinturas, conseqüentemente essa multiangulação causa a nossa percepção uma espécie de animação: a um momento estamos pairando no espaço, em outro estamos passando de forma rápida por um espaço .Outras pinturas demonstram várias vistas de uma mesma forma arquitetônica , as vezes desenhando uma progressão serial de imagens rotacionando o projeto 180º. Sua técnica é uma variada paleta de cores de tinta acrílica, envolvendo milhares de misturas. O processo de pintura começa com um desenho de linhas a lápis unido a uma prancha de desenho , o desenho então é transferido para pedaços de papel cartucho de cores branca,preta e cinza que são pré anexados a papel de goma e gravados em uma prancha. O início da pintura então é com o uso de tinta acrílica , croquizado com tinta chinesa ou acrílico diluído em água , antes do contorno acontecer, em pinturas maiores o fundo é coberto com apenas uma cor.A maior complexidade do desenho acontece na justaposição de formatos em cores sólidas misturando as cores..Terminada a pintura são cortadas das pranchas e montadas em lonas , só então é a tela é montada em um quadro.
Franco Purini
Franco Purini, se graduou pela Universidade de Roma em 1971 e trabalhou em uma série de projetos de competição com Vittorio Gregotti .Sua carreira internacional é reconhecida por seus manuscritos e desenhos. Muitos destes foram produzidos em conjunto com a arquiteta Laura Thermes.
Alguns de seus desenhos foram publicados e exibidos, alguns livros são “l’architettura Didattica” (1980) e “Around the Shadow line”. Seus desenhos são reconhecidos por não reproduzir uma visão realística de seus edifícios e sim por questionarem o senso comum, no que concerne à representação arquitetônica, e trazer a tona este debate. São desenhos de idéias criativas, não só de edifícios reais a serem construídos, representando a arquitetura em sua forma mais pura e freqüentemente usando referencias de movimentos artísticos. Purini produz imagens inspiradas em seu intenso interesse em literatura projetando paisagens teóricas enquanto refletem o ideal de uma nova arquitetura. Geralmente, o arquiteto trabalha com perspectivas achatadas, onde colinas e cidades estão no plano de fundo. Já em suas paisagens a arquitetura está no centro, freqüentemente em fundo preto criando um isolamento, então a forma arquitetônica é submetida a um meticuloso e rico processo de renderização que enfatiza o impacto da luz solar em cada segmento e cria uma sensação de profundidade.
Alguns de seus desenhos foram publicados e exibidos, alguns livros são “l’architettura Didattica” (1980) e “Around the Shadow line”. Seus desenhos são reconhecidos por não reproduzir uma visão realística de seus edifícios e sim por questionarem o senso comum, no que concerne à representação arquitetônica, e trazer a tona este debate. São desenhos de idéias criativas, não só de edifícios reais a serem construídos, representando a arquitetura em sua forma mais pura e freqüentemente usando referencias de movimentos artísticos. Purini produz imagens inspiradas em seu intenso interesse em literatura projetando paisagens teóricas enquanto refletem o ideal de uma nova arquitetura. Geralmente, o arquiteto trabalha com perspectivas achatadas, onde colinas e cidades estão no plano de fundo. Já em suas paisagens a arquitetura está no centro, freqüentemente em fundo preto criando um isolamento, então a forma arquitetônica é submetida a um meticuloso e rico processo de renderização que enfatiza o impacto da luz solar em cada segmento e cria uma sensação de profundidade.
Mario Botta http://www.botta.ch/
Mario Botta estudou arte em Milão e arquitetura em Veneza, ascendeu como um dos melhores arquitetos Suecos em 1969. Produziu mais de 40 edifícios em 30 anos, a quantidade e qualidade de seus trabalhos o tornou um dos lideres do “Central European Architects”.No seu período inicial como arquiteto ,Botta foi influenciado por mestres da arquitetura modernista como Le Coubusier Louis Kahn, além de seu professor Carlo Scarpa. Usava formas primarias como cubos ,cilindros e triângulos , essas formas com sua referencia rural de técnicas e sua interpretação contemporânea criaram sua abordagem única de desenhos.
Seus desenhos usam pontos e texturas (sem linhas). Os desenhos de Botta nos levam a sensações que apenas o edifício construído poderia despertar, são meios de avistar o final.
Seus desenhos usam pontos e texturas (sem linhas). Os desenhos de Botta nos levam a sensações que apenas o edifício construído poderia despertar, são meios de avistar o final.
Helmut Jahn
Após ter estudado em Munique, Helmut se tornou parceiro e, logo depois, presidente de sua companhia Murphy/Jahn. Sua firma se localiza em Chicago e realizou mais de 60 trabalhos, principalmente nos Estados Unidos. Sua carreira internacional também recebe atenção e hoje é reconhecido como “um dos dez arquitetos americanos vivos mais influentes” pelo Instituto Americano de Arquitetos.
Apesar de seus trabalhos não serem edifícios exclusivamente, é a dimensão e o numero de suas altas estruturas comerciais que são mais conhecidos. Apesar de suas proporções gigantes, expressam a escala humana, graças a sua maneira de manipular o espaço, forma, luz, cor e materiais. Essa abordagem de Jahn é mais bem detalhada em seus desenhos lineares de tinta criando uma similaridade incrível entre o edifício pronto e seu desenho. Sua forma fragmentada de desenhar cria um registro do pensamento gráfico, suas idéias e a maneira que ele explorou a forma. Esses quadros nos mostram a jornada visual do espaço: uma hora estamos visualizado uma planta no espaço, em outra estamos observando um detalhe, depois vemos diferentes elevações de diversos pontos e então os interiores. Cada exibição é banhada em uma luz de neblina atmosférica, uma impressão gerada a partir da técnica de desenho de linha rítmica ondulante de Jahn. Ao nos aproximarmos dos desenhos percebemos que sua técnica são linhas de tinta ondulantes feitas de forma rápida e controlada.
Santiago Calatrava
Arquiteto valenciano radicado em Genebra, recebeu uma ampla formação entre as quais estão: artes plásticas, engenharia, arquitetura e matemática. Esta formação permite a ele desenvolver uma obra pessoal onde as belas e dinâmicas formas de cada construção - pontes, fábricas, pavilhões, estações, etc. - são o resultado da expressividade formal no próprio percorrido das forças. A obra de Calatrava apresenta uma síntese de dois paradigmas aparentemente opostos: a máquina e a obra de arte. Em sua obra aparecem influências das estruturas ósseas orgânicas da obra de Antônio Gaudí, do desenho aerodinâmico norte-americano dos anos cinquenta e de todos os mestres da arquitetura escultórica e expressiva do período pós-guerra: Félix Candela, Eero Saarinen, Kenzo Tange, Pier Luigi Nervi e Jörn Utzon.
A obra de Calatrava (1951) apresenta uma síntese de dois paradigmas aparentemente opostos: a máquina e a obra de arte. Em sua obra aparecem influências das estruturas ósseas orgânicas de Gaudi, e de todos os mestres da arquitetura escultórica e expressiva pós-guerra.
Calatrava soube romper, nas suas primeiras obras, fronteiras tradicionais entre escultura, arquitetura e engenharia, porém depois dos primeiros avanços caiu em um declarado maneirismo e arbitrariedade. Possui três fascínios, o desenho, escultura e design. Costuma afirmar que a prática da arquitetura combina todas as artes numa só.
Em seus desenhos, utiliza aquarela e lápis, cores fortes em traços livres e incontidos, como esboços. A ordem dos desenhos não começa necessariamente com o rascunho e depois concluir com o produto final polido. Às vezes, os projetos concluídos são seguidos por outros esboços de seus detalhes. Alguns destes estudos examinam o projeto de uma maneira esquemática, outros exploram forma livremente, independentemente da função.
Superstudio
A arquitetura do Superstudio e de seu membro mais destacado, Adolfo Natalini, se destaca por sua carga poética e singular. Seus projetos se apoiaram na arquitetura e nas artes plásticas. Indubitavelmente, na obra do Supestudio - criado em 1965 - houve uma evolução: iniciando com propostas radicais que tomavam as contribuições tecnológicas como referência conceitual e crítica, e seguiram para uma tendência onde arquitetura passou a integrar o peso dos valores simbólicos, comunicativos, históricos e culturais. As referências à literatura, filosofia, ciência, pintura, fotografia e outras artes visuais foram constantes. Utilizovam a colagem, foto-montagem, filmes e outras técnicas para imaginar novos espaços e formas de representação para expressar os avanços tecnológicos.
Os projetos mais representativos da época do Supestudio são: o Monumento contínuo (1969) - uma série de fotomontagens sobre a natureza e a cidade que lembram a série "O construtor do mundo" de Bruno Taut - ; as Doze Cidades Ideais (1971); também fotomontagens próximas ao mundo cômico e à música pop; os cinco filmes-histórias (1971-1973) sobre vida, educação, cerimônia, amor e morte.
O Superstudio se desfez em 1978.
SOM (Skidmore, Owings & Merril)
Aqui estão algumas referências de representações gráficas de alguns arquitetos bem conhecidos.
